DANCE, DANCE, OTHERWISE WE ARE LOST. PINA BAUSCH這麼說。跳舞自會指引方向，不要想，先起舞，意義便隨之而來。回到最初，讓VAN CLEEF & ARPELS跳起第一支舞的，是世家創辦人之一LOUIS ARPELS。1920年代，熱愛芭蕾舞的LOUIS ARPELS便經常與侄兒CLAUDE ARPELS前往離VAN CLEEF & ARPELS 芳登廣場專門店不遠的巴黎歌劇院欣賞芭蕾舞表演，台上芭蕾舞伶如蝴蝶般的優美姿態深深印在腦海，到1941 年，世家第一款DANCER胸針在他的敦促下誕生，成為經典之作，自此種下VAN CLEEF & ARPELS與舞蹈之間的的深厚淵源。

舞蹈賦予VAN CLEEF & ARPELS數之不盡的珠寶創作靈感，世家亦回饋支持現代舞蹈藝術發展，於2020年開展DANCE REFLECTIONS BY VAN CLEEF & ARPELS企劃，2022年三月首次在倫敦舉辦舞蹈藝術節，之後去過香港、紐約、京都等，早前，與首爾國際表演藝術節（SPAF）合作，首度在韓國舉行，橫跨大半個月，匯聚來自世界各地對舞蹈有著同樣熱情的藝術家、包羅當代經典到前衛實驗各種形式和理念的創作，勾勒出現代舞蹈千變萬化之美。

An Art constantly in Motion

DANCE REFLECTIONS BY VAN CLEEF & ARPELS是RICHEMONT現任CEO NICOLAS BOS還在任VAN CLEEF & ARPELS全球總裁兼CEO時所孕育出來的企劃，他對之重視的程度是，今趟在首爾舉辦的舞蹈藝術節，他特地抽空遠道而來揭幕。當初他成立企劃，直截了當，正是因為舞蹈一直是世家歷史上的一個重要領域，希望藉此支持現代舞蹈，並鼓勵意念新穎的編舞創作。他又親自找來SERGE LAURENT擔任VAN CLEEF & ARPELS舞蹈與文化項目總監，以創作、傳承和教育為本，從支持世界各地舞團的創作、推動作品傳播、協助不同機構於國際舞台上演作品、籌辦舞蹈藝術節等各個面向，致敬舞蹈藝術。企劃實行至今五年，每年支持約三十個創作項目，並在十七個國家擁有七十個合作夥伴，共同在全球呈現舞蹈作品。SERGE LAURENT 便說，過去一直有跟首爾國際表演藝術節（SPAF）合作，去到今年，首次一同舉辦舞蹈藝術節，「我會形容，今屆藝術節完全展現了現代舞蹈的多元和深度，甚至是現代編舞語彙的進程。」

如斯廣闊的光譜，本來就是DANCE REFLECTIONS 的宗旨。這趟旅程，三日之中看了四場演出，ALESSANDRO SCIARRONI 的《SAVE THE LAST DANCE FOR ME》、OLA MACIEJEWSKA 的《LOÏE FULLER: RESEARCH》致敬傳統；陶冶及陶身體劇場的兩部新作《16》及《17》探索身體的可能性；（LA）HORDE與RONE的《ROOM WITH A VIEW》則充滿實驗性，迥異的主題和風格可見DANCE REFLECTIONS 對創作的自由和包容。SERGE LAURENT經常參與不同藝術節、走訪工作室、持續看演出，都是為了尋找合作的藝術家，他說：「CREATION（創作）是VAN CLEEF & ARPELS和舞蹈的共同語言，舞蹈給予我們這麼多的靈感去創作，我們當然知道，支持創作的最好方法，莫過於全然信任這些勇於創新和探索的藝術家。」

在光譜的一端，是經常以歷史傳統為基礎而創作的法國編舞家OLA MACIEJEWSKA，《LOÏE FULLER: RESEARCH》是她對十九世紀現代舞先驅LOÏE FULLER 經典作品《蛇舞》的嶄新演繹。2011年，OLA MACIEJEWSKA 開始深入研究LOÏE FULLER 這位在西方舞蹈史上極具爭議的人物，她在1890 年代創作出《蛇舞》，結合舞蹈與特效，將數米長的絲綢綁在竹竿上，舞者與舞服融為一體，化身火焰、海浪等自然現象，革新了舞蹈的呈現形式。而在OLA MACIEJEWSKA 手上，她從舞蹈及視覺藝術的雙重角度，更進一步研究當中人體與物體的相互作用，以舞裙、竹竿、聲音、空氣和人體離心力構成一座動態雕塑，輕柔卻充滿張力，揭示蛇舞本身的變幻莫測，致敬LOÏE FULLER這位舞者/演員/舞台燈光先鋒，藉以引發人們對當今舞蹈史的反思。《LOÏE FULLER: RESEARCH》早於2011 年首演，SERGE LAURENT一直有留意OLA MACIEJEWSKA，其後在DANCE REFLECTIONS持續支持她的創作，他說：「她的作品經常借鑑舞蹈歷史，我認為舞蹈文化必須延續，而建立歷史和當代之間的連結至關重要，畢竟今天的藝術是歷史和文化的產物。」

而在另一端，偏峰前衛的代表，是自2019 年起擔任馬賽國立芭蕾舞團（BALLET NATIONAL DE MARSEILLE）藝術總監的法國編舞團隊（LA）HORDE。2013 年，三位年輕藝術家MARINE BRUTTI、JONATHAN DEBROUWER 和ARTHUR HAREL 創立（LA）HORDE，由「狂徒」之名便意會他們的離經叛道，作品以結合行為藝術、舞蹈與科技的實驗性而聞名，並經常在其中顛覆傳統表演規範。這次在舞蹈節上演出的《ROOM WITH A VIEW》，是他們首支為馬賽國立芭蕾舞團編舞的作品，找來電子音樂藝術家RONE一同創作，起用二十三位來自十二個不同國家的舞者，在一座大理石採石場的末日情景中，他們用力擺動身體，時而擁抱糾纏、時而分裂施暴，透露出強烈掙脫與反叛的慾望，直至最後，他們一同團結反抗，成功解放。這是（LA）HORDE透過舞蹈表達對氣候危機、父權瓦解、社群疏離等種種社會崩壞的抗議，同時也在尋找重生的可能。

（LA）HORDE的創作以衝擊、實驗性著稱，《ROOM WITH A VIEW》自上演以來，被譽為「真正屬於廿一世紀的嶄新舞作」，但實驗創新的另一面，亦即難以觸及大眾，當走出劇場，有人跟著舞動心情激昂，亦有人滿臉疑惑不知所云，這一直是現代舞面對的挑戰。「確實，但我會說DANCE REFLECTIONS是引人進入當代舞蹈旅程的邀請。」SERGE LAURENT 直說：「不要試著去明白，而是要不帶成見、自由地去欣賞作品！舞蹈將所有藝術領域結合在一起：它可以融入音樂、造型藝術、服裝、燈光、佈景設計、平面設計甚至珠寶，這正正是它吸引的原因。我們邀請觀眾帶著好奇心和自由去發現新的舞蹈，當然每個人都各自的解讀，但我始終相信，欣賞一件藝術品並非觀眾思考的終點，而是其他一些啟發的起點，我希望DANCE REFLECTIONS是如此。」

Dance In A Perspective

陶冶及陶身體劇場
圓即無限

「我所有的作品都在尋找一種身體的語言，那是一種毋須言說的狀態。」陶冶這麼形容他的舞蹈。2008 年，陶冶、段妮、王好成立陶身體劇場，開創了以舞者數目為題的《數位系列》，運用直接的身體運動，詮釋精準簡潔的「圓」的理念。陶冶解說他創作的核心——圓運動：「圓就是無限。它是一個無限不規則的曲線，所以當我們的身體要完成圓運動的時候，它代表的是一種對圓滿的追求。試想像，整個空間是一個圓形，而我們的內在是一個軸點，我們的身體要被發展成一個無窮的圓規運動，每一個點、線、面都可以化圓，皮膚、毛孔、內臟都可以變成那枝筆，在空間裡面做畫。」回到最初，舞團只有陶冶、段妮、王好三人，《數位系列》便由《3》開始，至今來到《16》、《17》，亦即陶身體劇場於今個舞蹈藝術節中帶來的演出，無一不是圍繞著「圓」。

圓，對陶冶來說有多重意義，它可以是同音字的「源頭」、「二元」，包羅萬象。《16》、《17》是兩個作品，卻放在一起演出，便是一種二元對立：上部是十六個舞者如「貪食蛇」般排成一隊，跟著節拍強勁的音樂360度轉動頭部、整齊盤旋行進的舞；下部是十七個舞者躺在地板上跳的舞，在單聲之下，他們時而分散時而聚攏，衍生出怪誕混雜看似無序的身體運動，一動一靜、整齊和混亂、有聲與無聲，各種極端、對立卻巧妙地並置在一起。陶冶解釋：「我的作品都是一個對話屬性，它經常是上下兩台、兩個作品的對話和共生，過去的《數位系列》曾有一個很快一個很慢，充滿了這種二元對立，是希望給觀眾不同的視覺和思考，《16》、《17》是在同一個現場，兩個極限的張力、想像力和能量的交互，我們的身體既是一個整體，但又可以不斷打開無限的空間。」

許多觀眾一直將劇場變成考卷，但陶冶認為，在這裡沒有絕對、固化的標準，自由、無限的感知才是答案。「觀眾走進劇場，往往想要拿一個答案去看懂一個故事，但劇場感受沒有統一的標準，我們對於劇場的理解是要去挑戰觀眾，比起為享樂創作的舞蹈，我們希望作品能夠傳達更豐饒更無限的理念，這是藝術最有魅力的地方。」《16》、《17》看似迥異，在他眼中，卻同是一個理念：「我會把《數位系列》當成是一個作品，它都是從一個系統、一個軸點裡面生出來，是一場對身體的實驗，這一直都是不變的。」由始至終，都是一個無限的「圓」。

Dance as a Language
Alessandro Sciarroni

SAVE THE LAST DANCE FOR ME，語帶雙關，是「可否和我跳最後一支舞？」，也可以是「為我拯救這支舞吧！」意大利編舞家ALESSANDRO SCIARRONI 所言的是後者。他在2018 年參與意大利重要的表演藝術節SANTARCANGELO FESTIVAL時，發現了幾近失傳的博洛尼亞民間舞蹈POLKA CHINATA，當時全世界只有五個人懂得跳這支舞，於是便決定要保育傳承它。回溯至1900 年代初，POLKA CHINATA是由男性表演的求偶舞，兩個男人手挽手、面對面轉圈開始，然後二人膝碰著膝，再一同屈膝猛烈旋轉，愈轉愈快，愈蹲愈低，幾近貼到地面，跳舞其實是比試，為了向在旁觀看的意中人示愛。後來隨著時代進步，人們自由戀愛，這種傳統舞蹈逐漸絕跡於世。來到今天，ALESSANDRO SCIARRONI 加入當代音樂和舞蹈元素，重新演繹這支傳統舞蹈。

今回在舞蹈藝術節中帶來《SAVE THE LAST DANCE FOR ME》，是這支舞首度在韓國公演，ALESSANDRO SCIARRONI便說：「將這截然不同的傳統帶到這麼遠，使我更確信舞蹈作為一種語言的力量！」《SAVE THE LAST DANCE FOR ME》在一個白色空間上演，兩位舞者在摩登明快的音樂下登場，沿著地上的方形邊框轉圈遊走，隨著節奏加快，二人相擁曲膝，跟著旋轉得愈快，然後在幾乎貼近地面的一刻倏地站起來，又再開始另一回轉圈，轉轉轉到最後，二人都氣喘吁吁，卻相視而笑，作為觀眾很直接會感受到他們之間的友情和信任。「我希望觀眾除了欣賞優美的舞蹈之外，還能感受到舞者們的靈魂。」ALESSANDRO SCIARRONI 解釋：「這個舞蹈，旋轉是最困難的部份，必須將身體的重量託付給對方，信任至關重要。」他所言非虛，為了傳承這瀕臨絕跡的舞蹈，他亦舉辦工作坊，讓人參與學習跳舞。眼看舞者表演一切好像不難，但親身體驗過後，才發現單單是慢慢踏步轉圈已難以手腳協調，更遑論全然信任舞伴極速旋轉！舞技、體能、信任、意志缺一不可，才能將這百年傳統延續下去。

在每次表演的最後，兩位舞者都會再跳一次傳統版本的POLKA CHINATA，在歡欣嘉年華的音樂之下，同樣的舞步瞬間展現另一番復古面貌，這個巧妙安排讓人回溯歷史，真正達到傳承的意義。ALESSANDRO SCIARRONI總結：「所以我說舞蹈是每個人都能感同身受的語言，它訴說著我們存在的奧秘。」DANCE REFLECTIONS，是讓我們反思舞蹈的什麼？這正正是初衷。